El Eco de la Memoria

Acéptalos, son de los nuestros

2012-03-03T05:33:00.000-08:00

El pasado 1 de marzo tuvo lugar una función a beneficio de la Asociación “Acéptalos” (asociación de padres de niños discapacitados) en el Teatro Enrique de la Cuadra de Utrera. La protagonizaron Israel Galván, Tomás de Perrate y Proyecto Lorca (Antonio Moreno y Juan M. Jiménez).

Todos y cada uno sembraron de magia el escenario de ese teatro decimonónico. Todos respetaron a todos, porque todos escucharon a todos, desterrando esas irrespetuosas idas y venidas, entradas y salidas que son el pan nuestro de casi todos los grupos: ahora se levanta y se marcha uno, luego viene otro, luego se vuelve a marchar…

Israel volvió a encandilarnos con sus solos. Y sin embargo, sentimos que nos estaba escatimando algo: nos estaba privando de la música. Una música que solo él oía, que solo él sentía. Por eso, cuando al fin se encontraron cante, saxo, percusión y baile fue cuando se hizo una luz cegadora; cuando al fin el gozo del espectador pudo llegar a su clímax. Entonces brillaron al unísono Perrate, Juan M. Jiménez, Antonio Moreno e Israel Galván. Entonces pudimos disfrutar por completo del baile de Israel, de la voz de Tomás, del saxo de Jiménez y del timbal y la marimba de Moreno.

El concierto tuvo momentos de particular originalidad y belleza: los nuevos inventos de Israel (ese atlético homenaje a Baltasar Mathé), los cantes flamencos con palabras orientales de Perrate, el homenaje al Negro Aquilino por granaína y malagueñas de Jiménez y Moreno, por citar solo unos ejemplos. Fue un recital que llegó, en un continuo in crescendo, hasta su deslumbrante final en el que con unas agradecidas notas de humor se mezclaron la sardana, el aurresku, las sevillanas y los tangos.

Fue una noche que hizo verdad lo que Pedro G decía en el programa: Desde que Cristo le hablara a los tullidos hasta las radicales políticas queer en pro de la igualdad de discapacitados físicos y psíquicos, el flamenco tiene también ahí su sitio, un escenario en el que decir cosas. Recordemos entonces la canción: “los aceptamos!, son de los nuestros!”

José Luis Navarro

Fecha: 1 de marzo de 2012

Lugar: Teatro Enrique de la Cuadra de Utrera.

Estreno de "La curva" en Sevilla

2012-02-26T04:56:00.000-08:00

Por fin se ha estrenado en Sevilla la última obra de Israel Galván, La curva. Han sido dos días con el Teatro Central lleno hasta la bandera de un público dispuesto a dejarse seducir por las genialidades del bailaor sevillano. Un público que siguió con religioso silencio los lances de la obra. Un silencio solo interrumpido por las tímidas risas ante lo que entendía que eran rasgos de humor de la obra, que no siempre lo eran.

Fotografía: Félix Vázquez

La curva, como toda la obra anterior de Israel, es un documento abierto en el que él, fiel a sí mismo, sigue dando rienda suelta a su imaginación, investigando y explorando nuevas posibilidades, inventando novedades e incorporando ocurrencias. Un espectáculo siempre renovado que crece y se enriquece con cada representación.

Fotografía: Félix Vázquez

Es, fundamentalmente, un viaje —de ahí las repetidas llamadas al taxi— desde los rescoldos primigenios de la estética gitana de Lebrija —el sentimiento de Inés Bacán y el compás de Bobote— a la vanguardia musical del XXI —el piano contemporáneo de Sylvie Courvoisier—. Idas y venidas y fastuosos encuentros. Esos han sido los momentos que más he disfrutado.

Entre las novedades que Israel ha añadido a esta Curva (véase la entrada anterior en la que describimos el espectáculo), destacamos el homenaje que hace a Antonio Ruiz Soler y su martinete subido ahora a una mesa-pedestal sobre la que funde los redobles del maestro sevillano, leitmotiv del zapateado, con las figuras israelianas que esculpe. Una concesión además al riesgo físico que supone taconear sobre una mesa inestable, como ya hiciese con el martinete-seguiriya que bailó sobre una plataforma articulada en El final de este estado de cosas.

Otras novedades, también con riesgo incluido, son las patadas que da contra la mesa volcada y que interpretamos como un recuerdo a ese número dedicado al fútbol que Vicente Escudero hiciese en 1924, así como esa ocurrencia intencionadamente humorística de pedir “una de flamenquín”, sin que nadie se lo pudiese esperar.

Fotografía: Félix Vázquez

Una vez más, Israel nos ha hecho sentirnos en el epicentro de la experimentación dancística de la cultura universal.

José Luis Navarro

Fecha: 24 y 25 de febrero de 2012.

Lugar: Teatro Central de Sevilla

"La Curva" de Israel Galván

2012-02-18T00:33:00.001-08:00

Con ocasión del próximo estreno en Sevilla de La curva de Israel Galván (Teatro Central, 24 de febrero), traemos aquí, a modo de previo, el capítulo que le dedicamos a este espectáculo en nuestro libro Israel Galván. Imaginación en libertad, que será publicado en breve por Libros con Duente, S. L. Las ilustraciones son de Félix Vázquez y el texto dice así:

La Curva

La curva, el último espectáculo de Israel hasta la fecha, se estrenó el 7 de diciembre de 2010 en el Teatro Vidi de Lausana (Suiza). Fue la primera puesta en escena de una obra que, como todas las de Israel, evolucionará y se enriquecerá con el paso del tiempo. Su estreno en España será el próximo 29 de abril de 2011, en el Teatro Cuyás de Las Palmas de Gran Canaria, coincidiendo con el Día Mundial de la Danza.

Para esta versión Israel ha contado con la voz de Inés Bacán, el piano de la suiza Sylvie Courvoisier y las palmas de Bobote. La dirección escénica fue de Txiki Berraondo, las luces de Rubén Camacho y el sonido de Félix Vázquez (1).

La curva es una nueva mirada a Vicente Escudero. Al Escudero que bailaba a los sonidos que le daba el piano de Marguerite Monnot. Al Escudero que estrenó en París, en un teatro que se llamaba precisamente La Courbe, un espectáculo sin precedentes en el mundo del baile flamenco: la danza de los motores. En ese concierto, Escudero dedicaba un número al fútbol —la gran pasión de Israel— y hacía también un zapateado que pretendía imitar el ruido de una pirámide de sillas al caer al suelo. Una ocurrencia que ya ha llevado a la escena Israel en las últimas versiones de Solo.

Pero La curva es mucho más que el recuerdo de un teatro parisino. La curva es un conjunto de líneas que unen lo distinto y lo distante. Líneas que se encuentran y entrecruzan conformando figuras geométricas insospechadas y exóticas. Líneas por las que Israel se mueve entre límites extremos, por las que camina de Vicente Escudero a Antonio Ruiz Soler, de los ecos del cante con sabor a siglos de Inés Bacán a la música contemporánea de Sylvie Courvoisier. Líneas que se buscan y se entrelazan. Continuos desplazamientos estéticos de una a otra manifestación musical. Un constante ir y venir que Israel alterna con silencios íntimos y personales.

Inés Bacán pone el sonido antiguo de la tradición gitana, Bobote la esencia del baile flamenco, el compás, y Silvie Courvoisier una música a veces obsesiva, otras tierna y sutil, otras airada, siempre jonda y rítmica; una música que ya se había inspirado en la danza y que ahora inspira y acompaña el baile flamenco de Israel.

La obra es, pues, en palabras del mismo Israel:

una visita a mi espacio artístico natural, ese espacio que hay entre el flamenco más profundo, representado por Inés Bacán, y el territorio contemporáneo que ofrece Sylvie Courvoisie y que al fin al cabo es el espacio creativo donde me muevo a la hora de concebir mi trabajo.

Y hay aún más. Israel ha querido moverse entre dos sensibilidades de mujer: Inés y Sylvie, que para él simbolizan la madre y la amante, la tierra y el aire. Es además, como él dice, un viaje desde una fiesta gitana de Lebrija a un club de jazz de Nueva York, que hace acompañado por su taxista, Bobote.

La curva, una nueva aventura y un regreso a anteriores experimentos, tiene tres antecedentes claros: Tábula rasa, las últimas versiones de Solo y la actuación de Israel en la conmemoración del 20 aniversario del Museo Reina Sofía. Del primero, reproduce su esquema estructural: a un lado la voz de Inés Bacán con las palmas de Bobote, a otro el piano de Sylvie y en el centro Israel. Del segundo, utiliza varias de sus ocurrencias: el juego escénico de las pilas de sillas, el baile con una silla al cuello, el diálogo consigo mismo, el baile sobre el montón central de resina. Del tercero, recupera el baile de Vicente Escudero y el de Antonio Ruiz Soler.

La obra se inicia con los cuatro intérpretes de espaldas al público. Luego, Sylvie y Bobote se dirigen al piano e Israel, que viste una chaqueta de cuero amarillenta, se acerca a una pila de sillas metálicas y la empuja. Caen con estruendo. Coge una, la coloca en el centro del escenario y llama a Inés para que se sienten en ella y la obra comienza. Israel pasa a primer plano, baila en silencio, se acerca a Sylvie, le entrega lo que entendemos que es la llave para abrir el espectáculo. Va al lateral izquierdo y tira al suelo una plancha metálica que está allí apoyada —otro recuerdo para Escudero—. Sobre ella se funden el sonido de sus pies y el piano de Sylvie, que a veces suena a guitarra. Rasgueos y falsetas. Zapateados y figuras con el sello de Israel.

La escena siguiente tiene por protagonista a Inés, con los nudillos y las palmas de las manos de Bobote que marcan el compás sobre la mesa. Una ronda de soleares y seguiriyas desnudas, a palo seco, con sabor a tierra, que remata el piano de Sylvie.

Israel se acerca a la mesa y, con la voz de Inés y el compás de Bobote, se marca unas bulerías, juguetonas, chispeantes de compás y travesuras.

Reivindica después la figura de Antonio, pañuelillo al cuello incluido, reinterpretando con absoluta maestría los famosos redobles por martinete que el creador de ese baile diese en el tajo de Ronda.

Baila después las notas obsesionantes del piano de Sylvie, a las que se incorporan las palmas de Bobote. Inés, acompañada del piano de Sylvie, canta una nana e Israel se mete dentro del espacio virginal lleno de resina blanca dispuesto en el centro del escenario y baila dentro de un pequeño receptáculo que empieza siendo “ruedo” para convertirse después sucesivamente en balón, pandero y escudo.

Hay un cambio de luces. Todo se va oscureciendo excepto el piano, que se erige entonces en protagonista único. Israel se ha sentado en el suelo y todos lo escuchan inmóviles.

Israel baila primero en silencio sobre el recipiente, después, con el acompañamiento de Bobote lo hace por fiesta. Bobote tira otra pila de sillas. Israel mantiene una conversación consigo mismo —”Le public c’est la mort?/La mort c’est le public”—, sentado frente a una silla vacía y cambiando de lugar para representar a su otro yo.

Baila con una silla al cuello. Inés canta unas sevillanas e Israel las baila.

Sylvie martillea palmas en el piano, se incorpora Bobote e Israel baila su música, incluida una marcha militar, luego baila, juega, lanza al aire la resina blanca y se revuelca en ella. Comulga con la tierra.

Israel pone un intempestivo e inesperado rasgo de humor diciendo con toda seriedad: “Un cordon blue” (2). Se sienta y se quita los zapatos, mientras Inés canta un tango argentino acompañada al piano. Israel se acerca a la mesa y se sienta. Él y Bobote le marcan el compás al piano de Sylvie. Luego, se levantan y bailan en pareja.

Cogen sus chaquetas de cuero y salen a lo torero, dando una vuelta al ruedo.

Quedan las dos mujeres. Inés en silencio y Sylvie haciendo su música, hasta que cae la pila de sillas que todavía quedaba en pie y se apagan las luces.Cae el telón.

La curva llena el escenario de sonidos diversos y alejados entre sí. Unos sonidos que Israel funde y hermana con su baile. Es una mirada atrás y un salto adelante. Israel, cada vez con un bagaje más rico en inventos y recursos dancísticos se adentra en nuevos territorios musicales y estéticos para seguir rompiendo esquemas y componiendo insospechadas y audaces figuras flamencas.

José Luis Navarro y Eulalia Pablo

Notas

1. La producción es de A Negro y el Théâtre de la Ville de París.

2. “Cordon blue” es la insignia de la Orden del Espíritu Santo a la vez que una de las
escuelas de gastronomía más famosas del mundo.

Una soleá como Dios manda

2012-02-14T04:36:00.000-08:00

Solía decir Antonio Gades que hoy muchos bailaores no conocen los bailes. Y tenía razón. Zapatean y zapatean y, aparte de su dominio gimnástico, poco nos dicen. Pero también los hay que sí conocen los bailes.

Anoche, Marta Balparda nos dio toda una lección de cómo se baila la soleá. Le puso todo lo que hay que ponerle: solemnidad, señorío, sentimiento y pasión. De las escobillas hizo toda una sinfonía musical con ese leit motiv obligado que muchos parecen haber olvidado. Se adornó con preciosas estampas y remató con gracia y espontaneidad. Y todo, con esa elegancia tan sevillana. ¡Qué bien bailaste Marta!

La acompañaron al toque David Silva, que dio rienda suelta a su imaginación en la taranta que abrió la noche, y Manuel Romero, que la arropó perfectamente, confirmando todo cuanto ya hemos dicho de él (véase la entrada correspondiente al pasado 1 de febrero).

Blanca Perdiguer

Antes, Blanca Perdiguer bailó un magnífico taranto con tirón y muy buenos detalles. Otra espléndida noche en La Caja Negra.

José Luis Navarro

Fecha: 13 de febrero de 2012.

Lugar: La Caja Negra. Sevilla.
.

La Bienal echó a andar

2012-02-09T08:50:00.000-08:00

La XVII Bienal de Flamenco de Sevilla dio el primer paso el miércoles 8 de febrero de 2012 con la presentación de su cartel anunciador. El acto se celebró en el Salón Colón del Ayuntamiento sevillano con la presencia del Alcalde, Juan Ignacio Zoido, del autor de la obra, Guillermo Pérez Villalta, de la Delegada de Cultura, María del Mar Sánchez Estrella y de la Directora de la Bienal, Rosalía Gómez

El cartel, de estética pop con detalles dalinianos, incluso sicodélicos —en palabras del autor—, pretende reflejar la cara más alegre y vitalista del flamenco. Dedicado a la danza, como la próxima Bienal, tiene, a modo de compás, un esquema geométrico, sobre el que juegan improvisaciones, formas afiligranadas y caprichosas —los recuerdos del autor vinculados al flamenco—.

Un mosaico luminoso en el que no ha rehuido los tópicos gráficos que se han ido incorporando al flamenco desde su mismo nacimiento (guitarra, lunares...).

Véanlo:

La Serranilla en la Caja Negra

2012-02-08T00:13:00.000-08:00

El lunes no cabía ni un alfiler en la Caja Negra. Miren cómo estaba:

Estaban anunciadas Irene Girona e Irene la Serranilla. Luego, en su actuación las acompañaron María Cadenas al cante y Jaime de Paloma al toque.

La primera hizo alagrías y apuntó buenos detalles

Irene Girona

La Serranilla es ya toda una bailaora hecha y derecha. Apareció vestida con pantalón negro y pensé que haría una farruca o unas alegrías, quizás, a lo Carmen Amaya. Pero no. La guitarra sonó por seguiriya y ella se levantó y empezó a bailar.

Irene la Serranilla

Enseguida nos olvidamos del vestuario, porque quedamos atrapados por su baile. Y es que La Serranilla tiene ese poder de seducción que en flamenco llamamos “garra”. Se apodera de nuestra mirada y no nos la devuelve hasta que da el último desplante. Tiene unas maneras convincentes y sabe crear belleza con sus movimientos. Desde luego, nos dejó con ganas de más. Tendremos que volver a verla.

Por cierto, por si pueden estar interesados en lo que se cuece en La Caja Negra, esta es su programación para febrero:

José Luis Navarro

Fecha: 6 de febrero de 2012

Lugar: La Caja Negra

Sevilla

Flamenco y discapacidad

2012-02-07T03:47:00.000-08:00

Ayer tarde asistimos a una mesa redonda que con el tema “Flamenco y discapacidad” había organizado, dentro del VI Festival Internacional de Escena Móbile, el bailaor y coreógrafo José Galán. La formaban, con él, Patricio Cárceles (Delegado territorial de ONCE), Rosalía Gómez (Directora de la Bienal de Flamenco de Sevilla), Eulalia Pablo (Directora del Programa de Doctorado de Flamenco de la Universidad de Sevilla) y Gonzalo Rivas (Director General de Discapacidad de la Junta de Andalucía).

En líneas generales, destacó la sensatez de todas las intervenciones, que trató esta temática con rigor y objetividad. Como era de esperar, surgieron los nombres, entre muchos otros, de la Niña de la Puebla, el Cojo de Málaga, la Sordita y Enrique el Cojo, del que tuvimos la oportunidad de ver unas alegrías que arrancaron los aplausos de los asistentes.

Se abordaron, aunque sin llegar a profundizar todo lo deseable, aspectos que podrían resultar problemáticos, como la discriminación positiva, la compensatoria y la integración de los discapacitados psíquicos. También tuvimos la ocasión de ver una grabación promocional de la obra que José Galán estrenó en la pasada Bienal, Cierra los ojos y mírame, en la que participaban Reyes Vergara y Daniel Parejo, bailaores con síndrome de Down.

Al final, como resumen de todo lo expuesto, quedó la “naturalidad” con la que el flamenco había aceptado siempre todo tipo de minusvalías, ya que como dijo la profesora Eulalia Pablo, “El flamenco podía dar lecciones de integración y podía ser utilizado, por tanto, como modelo para una educación en valores”.

José Luis Navarro

Fecha: 6 de febrero de 2012.

Lugar: Sede de CICUS

Sevilla

Marta Balparda y Sofía Castro en La Caja Negra

2012-02-01T10:30:00.000-08:00

El lunes pasado estuvimos en La Caja Negra. Nos gusta este sitio. Íntimo y respetuoso con el flamenco. Un cuarto de cabales para la juventud. Bailaban Marta Balparda y Sofía Castro. De Marta teníamos muy buenas referencias. Sofía fue toda una sorpresa.

Abrió el concierto la guitarra de David Silva que interpretó una curiosa fusión de boleros (“Bésame mucho”, “20 años”) y granaína.

Marta Balparda. Foto: Guillermo García Martínez

Luego llegó el baile. Salió primero Marta Balparda por seguiriya. Marta apunta muy buenas maneras. Es elegante e imaginativa. Tiene unos pies limpios y ricos en movimientos. Posee saberes y buen gusto

Nos encantaron sus quiebros y sus marcajes. Delatan ese aroma característico de la escuela sevillana.

Manuel Romero. Foto: G. García Martínez

Después disfrutamos del cante alante de Manuel Romero. Hizo soleares. Cantó con rigor y conocimiento, sin efectismos estériles. Es un joven que promete mucho.

Sofía Castro. Foto: G. García Martínez

De nuevo baile. Le tocó el turno a la uruguaya Sofía Castro. Salíó por alegrías como un vendaval. Dominando las tablas. Derrochando espontaneidad y flamenquería. Habrá que seguir a estas dos jóvenes.

José Luis Navarro

Fecha: 30 de enero de 2012.

Lugar: La Caja Negra

Sevilla

El baile por mariana

2012-01-30T01:36:00.000-08:00

A comienzos del siglo XX el baile flamenco gozó de un período de creatividad como nunca antes lo había vivido. Se bailó todo. Nacieron la farruca y el garrotín. Y, ¿por qué no?, también las marianas.

La primera noticia que hemos encontrado de una mariana bailada es de 1909 y la protagoniza el cuadro de baile del maestro José Otero. Dice así:

Cervantes.— Anoche se verificó en este teatro el espectáculo en que tomaban parte los grupos regionales que ya anunciamos.

La concurrencia fue extraordinaria, encontrándose en mayoría los extranjeros y forasteros que ocupaban por completo todas las localidades del teatro [...]

La última parte del espectáculo estuvo dedicada al cuadro andaluz, que dirigió el maestro Otero.

En este cuadro hubo bailes de soleares, peteneras, panaderos, etc. etc. y varias coplas de seguidillas sevillanas, muy bien ejecutadas por las catorce parejas.

En el repertorio flamenco hubo de todo, no faltando el garrotín, las marianas, malagueñas y derroche de cante jondo, que nada hubiese perdido con abreviarse un poco, pues éste no estaba al alcance de los numerosos extranjeros que formaban la mayoría del público.

El Liberal. 11 de abril de 1909.

Al año siguiente, nos llegan noticias de Los Criollitos:

PETIT PALAIS.—Los Criollitos forman una pareja notabilísima de baile con transformaciones. Su trabajo es variadísimo, pues bailan la rumba, garrotín, marianas, kin-kin y otros; pero donde son ovacionados con entusiasmo es en La «matchicha», que bailan admirablemente.

El Liberal, 21 de abril de 1910.

Seguiremos

Estrella Morente en el Maestranza de Sevilla

2012-01-24T09:17:00.000-08:00

Estrella Morente ha llenado hasta la bandera dos días el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Algo que está al alcance de muy pocos cantaores de flamenco. Y es que Estrella, además de tener una voz “espectacular” —así la define mi hija Reyes—, sabe sacarle el máximo partido. La luce y se luce. Canta, se da su pataíta y compone sus figuras —desde mi punto de vista, unas poses desangeladas que poco o nada benefician su cante—. Lo cierto es que con todo ello se ha convertido en muy pocos años no ya en uno de los primeros nombres en el panorama actual del cante, sino en una verdadera diva del flamenco. Así lo ponían de manifiesto las continuas ovaciones que premiaban cada número. Ya se sabe que en Sevilla se aplaude todo, pero en los que le dedicaban sus devotos a Estrella, entre gritos de “¡guapa!”, había una fuerza y un entusiasmo no tan corrientes. Y Estrella les correspondió con generosidad. Estuvo casi dos horas al pie del cañón y, vestida de negro riguroso, les ofreció un concierto variado y completo.

Empezó con una ronda de tonás sobre un fondo de sonidos metálicos y luego se sumió en el más puro flamenco a base de caña, tangos, seguiriya, granaína, fandangos verdiales…, en el que hizo gala de la belleza de su voz —la enjundia y la jondura de cada palo quedó un poco atrás—.

Tras un solo de guitarra de Montoyita, volvió para darnos su versión de la copla y, para mí, fue donde puso en su voz mayores matices y más sentidos párrafos. Se despidió acordándose por bulerías de Martín Revuelo —fallecido el sábado— con ese “Sevilla es de chocolate” que hizo famosa su mujer, Juana la del Revuelo. Después cerró haciéndole su particular homenaje a Carmen Amaya en la famosa escena de Los Tarantos de Rovira Beleta, en la que la catalana da toda una lección de compás con los pies y con los nudillos sobre el tablero de una mesa. Estrella la reinterpretó —mesa incluida— haciendo sus bulerías. Finalmente, ante la sorpresa de casi todos, bajó del escenario al pasillo del patio de butacas y, desde allí, rodeada de su público, volvió a lucir a capella la fuerza y excelencia de su voz por fandangos.

Le acompañaron José Carbonell "Montoyita" y José Carbonell "Monty" a la guitarra, Pedro Gabarra "Popo", a la percusión y las voces y palmas de Antonio Carbonell, Ángel Gabarre y José Enrique Morente.

Fecha: 22 de enero de 2012
Lugar: Teatro de la Maestranza
Sevilla

José Luis Navarro

Más nombres para la mariana

2012-01-20T05:35:00.000-08:00

La nómina de intérpretes de la mariana fue muy larga. A los ya mencionados añadimos ahora otros de artistas desconocidos hoy, pero que también cosecharon sus buenos aplausos cantándola. Estos son algunos con los recortes de prensa que justifican esta nueva relación:

Pepita Moreno

TÁNGER
SALÓN «LA IMPERIAL».— El debut de Pepita Moreno, sin rival cantadora de flamenco, resultó grandioso. Los «tientos», «marianas» y «granadinas», volvieron loco a nuestro público, que entusiasmado ovacionó a la artista.
Eco Artístico, 5 de mayo de 1910.

Milantes

PETIT PALAIS
El día 26 del pasado debutaron con éxito extraordinario Milantes, notables duelistas a transformación, que venían precedidos de gran fama por haber trabajado con general aplauso en varias provincias, y en verdad que son dignos de ella, pues se ve que no son unos artistas vulgares, muy al contrario, desde luego se ve que dominan la escena de modo insuperable y que su trabajo es culto y artístico en extremo.
Son dos aplaudidos artistas del género chico, y que, por consiguiente, cuentan con extraordinarias facultades para el género a que ahora se dedican.
Cantan varios duetos y ella unas «marianas» muy delicadas, y que la valen todas las noches grandes ovaciones.
Además, dominan toda clase de bailes a la perfección, resultando el dueto más completo y de más variado repertorio que tenemos actualmente.
Por su lujoso vestuario y por lo artístico de su repertorio, Milantes son una excelente adquisición para la empresa, pues todo Madrid acudirá a aplaudir a tan distinguidos artistas.
Eco Artístico, 5 de octubre de 1910.

Hermanas Muñoz

Petit Palais.—Las hermanas Muñoz continúan siendo muy aplaudidas en todas sus canciones, y especialmente en las marianas y jotas. Por lo culto y artístico de su trabajo bien merecen el aplauso del público.
Heraldo, 4 de enero de 1911.

Dúo Andalucía

Jerez
Hizo su debut el notable Dúo Andalucía, número dedicado exclusivamente a la imitación de los cantos de los artistas más renombrados flamencos, sobresaliendo las «peteneras» y «malagueñas», lo mismo en «tarantas», «marianas», «guajiras» y «soleares».
Eco Artístico, 15 de septiembre de 1911.

Ninón

BENEFICIOS
NINON
Madrileño.—Con un lleno rebosante se verificó en el teatro Madrileño el beneficio de la popular y gentil cupletista Ninón.
Los que abominan del género de varietés hubieran pasado un mal rato, porque la fiesta constaba nada menos que de ¡14 números!
Aquello fue un derroche de garrotines, farrucas, marianas, cuplés, tangos, sevillanas, jotas y cuanto puede pedir el más aficionado al jaleo, la bulla y la alegría.
La Correspondencia de España, 26 de noviembre de 1911.

Tiples por marianas

2012-01-18T05:47:00.000-08:00

La mariana formó también parte del repertorio de algunas tiples que se acercaban así al mundo del flamenco. Las más conocidas fueron Rosario Soler y Pura Martínez. Así eran y esto es algo de lo que decían de ellas los periódicos:

Rosario Soler

Zarzuela.—El Apropósito. «La contrata». Desempeñado por la Srta, Esparza y los señores Ontiveros. González y López, y en el cual. Rosario Soler cantará «Marianas» y el tango de las «Cosquillas».

El País,14 de febrero de 1909.

*****

GRAN TEATRO.—El próximo sábado se verificarán los reestrenos de las aplaudidas zarzuelas «Los ojos negros» y «El género ínfimo», en las que tan señalados éxitos ha alcanzado la célebre y popular tiple Rosario Soler, cantando las marianas y el tango de los lunares.

El Liberal, 12 de mayo de 1910.

*****

Gran Teatro.—El reestreno do la aplaudida zarzuela Los ojos negros ha proporcionado un éxito excelente a la compañía del Gran Teatro y un triunfo personal para la gentil artista Rosarlo Soler, que cantando las Marianas es objeto de grandes ovaciones.

Heraldo de Madrid, 16 de mayo de 1910.

Pura Martínez

Buenos Aires

En el teatro de la Comedia se ha estrenado con buen éxito el sainete madrileño «El decir de la gente», del simpático actor y autor Miguel Mihura.

Trátase de una pieza honesta, sentida, bien dialogada y cuajada de situaciones cómicas y dramáticas que producen seguro efecto en el espectador.

La música del maestro Padilla, inspiradísima, fueron repetidos casi todos sus números, especialmente un precioso intermedio de aires populares, admirablemente instrumentado y unas marianas que cantó con mucho gusto Pura Martínez

El País,17 de mayo de 1914.

Cantadoras de aires regionales por marianas

2012-01-12T10:17:00.000-08:00

La nómina de “cantadoras de aires regionales” que pusieron su granito de arena en la difusión y popularidad de la mariana fue bastante extensa. He aquí dos nombres más con los testimonios periodísticos de sus interpretaciones de nuestro cante:

Gitanilla de Valencia

CIUDAD REAL.

Teatro de Verano.—Se han despedido de este público la simpática transformista Gitanilla de Valencia y su gitanillo.

Su trabajo extenso y variado es causa de la atracción del número, y el público aplaude con entusiasmo los garrotines cantados con exquisito gusto, y las «marianas», «granadinas», «tarantas» y «jotas» que en la Gitanilla, tienen estilo propio.

A Gitanilla de Valencia se le tributó una ruidosa ovación en su despedida, prueba inequívoca del gusto con que el público presenció su trabajo durante toda su actuación.

Eco Artístico, 15 de mayo de 1912.

Rosarito Pacheco

En Martín la empresa se muevo con ánimos resueltos. Después de la refundición de La Sultana, que ha gustado mucho por sus situaciones chistosísimas, el jueves debutó Rosarito Pacheco, muchacha lindísima y muy bien presentada, que dice con bonita voz y sumo gusto cantos regionales.

Con manifestar a ustedes que en su debut fue aplaudidísima en las célebres «Marianas», que nadie se había atrevido a cantar después de Amalia Molina, está dicho todo.

Palmas y pitos, 17 de enero de 1915.

Adela López

2012-01-04T04:03:00.000-08:00

Un nuevo año y un paso atrás para retomar el tema de la mariana y no separarnos en exceso de nuestras primitivas inquietudes. Lo hacemos para rescatar el nombre de Adela López, otra cantaora ignorada por la historiografía flamenca. Su biografía artística tuvo muchos puntos en común con la de Julia Gálvez. Como ella, cantaba flamenco y folclore regional. En la prensa de su día la vemos repetidamente anunciada como “cantadora de flamenco”, “cantadora de aires regionales”, “cantadora de flamenco y aires regionales”, “cancionista de aires flamencos” y “cantante de aires regionales, particularmente cantares flamencos”, sin faltarle el consabido “reina del flamenco”. He aquí su foto y un recorte bien significativo de sus virtudes.

Cartagena

Pabellón El Brillante […] Hicieron su aparición la notable cantadora de flamenco y aires regionales Adela López, y el notabilísimo maestro de guitarra Marcial de Lara.

El trabajo de estos artistas es, á juzgar por amateurs de este género, de lo mejor que hoy existe, pues si, en honor á la verdad, ella posee facultades de voz extraordinarias para cantar con exquisito gusto y verdadero estilo marianas, tarantas, garrotines, guajiras y cartageneras, él, en el difícil trasteo do la guitarra, es, no ya un consumado maestro, sino un artista de méritos indiscutibles, y lo prueba el religioso silencio con que el público escucha los armónicos sones que éste arranca en sus rasgueos del más típico de nuestros instrumentos musicales, aplaudiéndoles al final con verdadero entusiasmo.—

Eco Artístico, 15 de junio de 1912.

Se acerca 2012

2011-12-23T00:49:00.000-08:00

Laura Pirri y Jessi la Kica

2011-12-21T21:25:00.000-08:00

Ha muchas formas de disfrutar del baile flamenco. Como de todas las cosas. ¿Quién no disfruta de ver bailar, por poner un nombre, a Milagros Mengíbar sobre el escenario de un buen teatro? Pero hay otras formas también en las que el disfrute va unido a la sorpresa, al descubrimiento de lo nuevo. Es un baile que se contempla con ojos limpios de todo prejuicio. Baile sin historia. Bailaores sin nombre. Unos bailan bien, otros no tanto, pero en todos hay ilusiones y esperanzas.

Por esto, estuvimos el lunes otra vez en La Caja Negra, porque allí se ofrece lo nuevo, lo desconocido, en un ambiente íntimo. Lo más parecido a esos míticos “cuartitos de cabales” sobre los que tanto se ha escrito y tanto se ha exagerado y tanto se ha mentido.

Primero nos sorprendió una gaditana por alegrías. Les puso temperamento y garbo. Se llama Laura Pirri.

Después bailó Jessi La Kica un taranto. Lo hizo con conocimiento, elegancia y muy buenas hechuras. Su madre es gaditana también y ella lleva además gotas galas en su sangre.

A las dos les auguramos éxitos a no muy tardar. Las acompañaron David Hornillo al cante y José M. Martos a la guitarra. No os las perdáis si tenéis ocasión.

Del Quivir de Ángeles Gabaldón en el Ciclo Punta-tacón

2011-12-20T05:42:00.000-08:00

El flamenco es hijo de muchas culturas. Ha bebido de cuantos pueblos han habitado Andalucía.

Francisco Díaz Velázquez nos lo dice con precisión poética en el programa de la obra:

«El espectáculo Del Quivir se concibe como un paseo flamenco por el Río Grande andaluz, el wadi al-Kabir de los árabes, el Betis de los romanos, el río creador de civilizaciones que articula el territorio y la historia de Andalucía. Las aguas del Guadalquivir nos traen aires tartesios, fenicios, romanos, árabes, judíos, romaníes… Ecos de los pueblos que por aquí pasaron y que dejaron la memoria de la música y su arte en nuestra rica y mestiza cultura».

Ese es lo que nos cuenta Ángeles Gabaldón. Ella revive con su baile toda la historia de ese río, su pasado y su presente, desde su nacimiento en la Sierra de Cazorla hasta su despedida rumbo a la América hispana. Ella ofrece su cuerpo a los ecos que testifican la presencia en sus riberas de todas esas civilizaciones que han aportado sus hechuras bailaoras al flamenco.

Da vida a su nacimiento —un niño que aún no sabe andar— que balbucea con aires de danza contemporánea. Se pasea por Jaén interpretando un bellísimo taranto, pasado por el tamiz de la escuela sevillana. Pasa por la Córdoba califal y nos regala una danza mora y cristiana, con movimientos andalusíes hechos a lo flamenco y adornados con un mantón que revolotea por su cuerpo. Llega a Sevilla y baila el agua, sus murmullos, sus alborotos y sus desmanes por martinete y por tanguillos cubanos. Un baile con una bata de cola negra que mueve expresando y transmitiendo todo tipo de matices y sutilezas. Desde Sanlúcar de Barrameda se despide con un abanico movido por guajiras “con acento de La Habana”. Toda una lección de versatilidad y saberes, de elegancia y de femineidad.

Le acompañan y son copartícipes de este espectáculo Raúl Cantizano, Alicia Acuña y Antonio Montiel.

Fue un auténtico broche de oro para el II Ciclo Punta-tacón, que organiza la Asociación de Cultura Flamenca “Samaruco”.

José Luis Navarro

Fecha: 18 de diciembre de 2011

Lugar: Pasaje Mallol, 16

Sevilla

Mercedes Ruiz en la Sala Turina de Sevilla

2011-12-16T01:15:00.000-08:00

Jerez tiene su forma de bailar: todo vivacidad, chispa, ajuste rítmico. Es el baile festivo por excelencia. Sin embargo, hoy se le exige a todo bailaor que sea lo más completo posible, que haga todos los palos, que invente, que coreografíe. Y eso es lo que hace Mercedes Ruiz.

Salió vestida a lo Carmen Amaya (chaquetilla y pantalón blanco) y lució los pies por farruca. Hubo momentos en los que nos acordamos de Gades. Lo cual es positivo y, a la vez, negativo. Positivo porque, sin duda, Gades es un referente obligado para la farruca. Negativo porque Mercedes no puede competir en solemnidad y empaque con el alicantino. Además ella bailó la música que le tocaba Santiago Lara. Y lo hizo bien.

Después se enfundó una bata de cola y nos trajo aires de la bahía por caracoles. Se estaba acercando a Jerez y se notaba. Mercedes era más Mercedes. Su baile cobraba vida. Empezaba a seducirnos.

Y llegó la hora de la verdad con la soleá por bulerías. Mercedes se había despojado de todo lo que es accesorio en Jerez. Ni pantalones ni bata de cola. Un sencillo, pero elegante, vestido y a bailar. Y bailó con todo su cuerpo, con cada centímetro de él. Poniendo vida, garra, temperamento y ese ajuste finísimo al compás que exige la ciudad de los vinos. Y convenció. Eso era Jerez.

Le acompañaron Santiago Lara, dirigiendo con su guitarra el cuadro, las voces de Miguel Ortega y El Londro y la percusión de Perico Navarro. Arroparon perfectamente el baile de Mercedes y corrieron sus riesgos mezclando granaínas y seguiriyas y rematando romances y pregones con un contrapunto vocal que arrancó aplausos.

Fue, si nadie lo remedia, el último baile de unos recitales que se han convertido en cita obligada para todos los que disfrutan del arte flamenco en un local íntimo y respetuoso con el flamenco.

Fecha: 15 de diciembre de 2011.
Lugar: Sala Turina de la Fundación Cajasol.

José Luis Navarro

La Torrerica

2011-12-12T21:52:00.000-08:00

Magdalena Fontán "La Torrerica" fue, sin duda, la mejor cantadora de aires regionales que se paseó por los escenarios teatrales de su tiempo. Como buena aragonesa, destacó especialmente en las jotas, pero en su repertorio, extensísimo, había cantos que hoy no dudamos en considerar flamencos. La siguiente gacetilla, además de dejar testimonio de sus marianas, nos da una cumplida cuenta de ellos [1].

SANTA CRUZ DE LA PALMA
Circo de Marte.—El 11 de Agosto, contratada por la entusiasta Sociedad Los Trece, hizo su función de debut la eminente y genial cantante de aires regionales La Torrerica.
A su presentación, el numeroso público que llenaba el Salón la saludó con una nutrida salva de aplausos.
La orquesta preludia unas guajiras, y un murmullo de expectación se levanta de los asientos. Su voz resuena suave, fresca, argentina, simulando el rumor de las maniguas antillanas, plegándose maravillosamente a las cadencias típicas de los cantos de las tierras exuberantes del trópico.
No fue un aplauso entusiasta; fue una ovación clamorosa la que recibió la simpática artista.
Tanto en esta noche como en las consecutivas, los espectadores premiaron con nutridos aplausos las jotas, granadinas, marianas, etc., que tan admirablemente han sido ejecutadas, como asimismo las típicas folias canarias, interpretadas con gusto irreprochable, ejecutadas ante aquellos espectadores que una y otra vez hicieron resonar los ámbitos del Circo con aplausos estruendosos, con calurosos bravos, que La Torrerica recibía amable, complacida y sonriente.
Eco Artístico, 5 de septiembre de 1913.

[1]. Véanse las entradas que le dedicamos en el blog Testimonios históricos.

La Caja Negra

2011-12-09T20:50:00.000-08:00

Hoy dedicamos esta página a buscar posibles ecos para el mañana del baile flamenco. Os traemos aquí la programación de La Caja Negra para el mes de diciembre con artistas que buscan encontrar su sitio en el momento actual.

La Salerito

2011-12-07T16:44:00.000-08:00

Antonia Martínez “La Salerito” (1881-1959) fue “cantadora de flamenco”, cupletista, “canzonetista de aires españoles y americanos” y, cuando era menester, también sabía hacerse sus bailecitos [1].

Su repertorio flamenco estaba constituido principalmente por cartageneras, murcianas, granadinas, marianas, tientos, farrucas y garrotines, algunos de los cuales llegó a grabar para el sello Columbia. También cantaba jotas y canciones cubanas. El Eco Artístico ha dejado testimonio de él, en el que sobresalían sus marianas y sus granadinas.

Cultivadora del genial arte de Amalia Molina, cual ella sabe imprimir a sus canciones andaluzas toda la pasión de su alma enamorada; por eso los arrebatos de entusiasmo que despiertan sus «granadinas», sus «farrucas», sus «marianas», sus «tientos» y sus canciones cubanas, que interpreta con suma perfección, con la donosura de quien, como Salerito, no encuentra obstáculos para vencer en cualquier género, por difícil que sea. Y si merecedora de ovaciones es como coupletista y cantaora del clásico flamenco, revélase notabilísima intérprete del cante y baile cubano, en cuya ejecución se la aclama siempre con verdadero entusiasmo.
Eco Artístico, 5 de mayo de 1911.

Caravaca
TEATRO.—Sigue proporcionando grandes llenos en todas sus secciones la sin rival coupletista y cantadora de flamenco Antonia Martínez «La Salerito»; el público, poseído de gran entusiasmo, la ovaciona ruidosamente al final de sus marianas y granadinas, reconociendo que no tiene competidora.
Eco Artístico, 25 de agosto de 1911.

Sevilla
Salerito, sin rival cantadora de flamenco, entusiasmó con sus marianas y granadinas, evidenciando desde el primer instante ser justa su fama; triunfó en toda la línea y en premio a su meritísima labor escuchó atronadoras ovaciones de entusiasmo.
Eco Artístico, 25 de septiembre de 1911.

[1]. Véanse las entradas que le dedicamos en el blog Testimonios históricos.

Pilar López, la bailarina de los ojos brujos

2011-12-04T22:54:00.000-08:00

Regresamos hoy con José Gelardo a los ecos de ayer. Exactamente al 13 de julio de 1927. Ese día La Razón de Cartagena publicaba una estupenda entrevista a Pilar López. Decía así:

Pilar. LA BAILARINA DE LOS OJOS BRUJOS
El camerino de la artista se hallaba lleno de vestidos lujosos, lluvia de colores que juega con la sonrisa luminosa de la luz. En las paredes hay muchísimos programas pegados y fotografías de casi todos los artistas del mundo. Sobre el tocador varios frascos de esencias caras.
-¿Se puede pasar?
-Adelante, -responde con su voz dulce y simpáticamente infantil.
Entramos. La bailarina de los ojos brujos nos mira fijamente y hay en su mirada visiones de fantasmagoría, en donde se esconde la noche, el misterio y las sombras. Los ojos de Pilar son inmensamente negros como los de una reina mora.
-¿Qué desean ustedes de mí?
-Somos admiradores de su belleza y de su arte y queremos hacerle una interviú para nuestro periódico.
-Una interviú... ¿Y qué puedo decirles yo que interese a sus lectores?
-Bah, eso es fácil, lo de siempre.
Pilar sonríe y vuelve a acariciarnos con el puñal de su mirada, mientras deja sobre sus labios un poquito más de carmín.
-¿Es usted muy joven?
-Tengo veinte años.
-¿Cuántos lleva trabajando?
-Cinco. La primera vez que aparecí en escena fue en Santander. Hacían un beneficio a mi hermana “La Argentinita”. Después debuté formalmente a los quince.
-Y dígame, ¿no ha hecho usted desde entonces alguna película, ahora que todas las artistas de varietés se dedican al cine?
-Si, “La pelada de la pava”.
Al decir esto, suelta una gran carcajada y nosotros reímos también.
-¿Y eso qué es?
-Pues bien, trabajaba yo en el Gran Teatro de Córdoba y vinieron a ofrecerme un contrato para filmar unas escenas de amor. Era un señor extranjero, creo que norteamericano. Quería que yo hiciera con un joven aficionado “La pelada de la pava”. Acepté... Y al día siguiente me vi tras de una reja llena de claveles, hablando con el que hacía de novio. Después paseamos por el jardín y el director, que era el extranjero del contrato, comenzó a gritar: “¡El beso, el beso!”. Mi novio intentó besarme y entonces yo, ni corta ni perezosa, le di una bofetada formidable. Excuso decirle cómo se quedó el pobre y del humor que se puso el norteamericano.
-¡Ah, mujer española ser apasionada, osté ser poco española, no querer besar, yo no gosto de estropear película... -gritó enfurecido.
-¿Es verdad que piensa usted ir al extranjero?
-Dentro de unos meses, en octubre tal vez. Iré con mi hermana que firmará un contrato para New York.
La bailarina de ojos brujos acaba de pintarse los labios y se pone su sombrero, un sombrero raro y elegante que tiene cierto parecido con el casco del Cid Campeador. Salimos a la calle... Y en la terraza del Casino, ante el oro líquido de unos sorbos de Champán, continuamos nuestra charla, cada vez más agradable, porque ya somos más amigos y tenemos más confianza.
-Diga, Pilar, ¿le gusta a usted el queso Roquefort?
-Si pero sin gusanos. A propósito: tenía yo un amigo en París que se llamaba Roque Ford. Se casó y en poco tiempo hizo polvo su fortuna, hasta llegar al extremo de tener que vender el automóvil y los caballos. Un día le decía su mujer llorando: “Qué dirán tus amigos cuando lo sepan. Pobre Ford, qué mal anda ese Ford... Jamás se ha conocido un caso igual... Tener en mi casa un Ford y andar a pié... Claro, si le faltan hasta los caballos.
Volvemos a reír con ella.
Pilar, además de artista, es una mujer simpatiquísima, toda ingenuidad... Y es muy culta, toca el piano maravillosamente y habla varios idiomas a la perfección. Cuando aparece en escena en un momento con cualquiera de las inimitables creaciones, conquista al público que aplaude entusiasmado, por lo cual después, la empresa tiene que prorrogarle el contrato. Eso es que Pilar sigue las huellas de su hermana “La Argentinita”.
-¿Le gusta a usted la perdiz?
-No.
-¿Y el pollo?
-Si es “para”, sí.
-¿Con “Chanchullo” o sin él?
-De cualquier manera... Pero que no se parezca a los que están ya asados, porque estos no tienen ni una “pluma”.
-¿Qué artistas de varietés le gustan más?
-La Argentinita y Pastora Imperio.
-¿Cuántos novios tiene?
-Unas veces cinco, otras ocho, seis, cuatro, dos..., según.
-No comprendo...
-Pues es muy fácil: cuando yo quiero saberlo, me tiro de los dedos y cada “tak” que hacen, es un novio que tengo.
-¿Dónde nació usted?
-En San Sebastián.
-Y su hermana.
-En Buenos Aires.
-¿Qué escritores de los nuestros le gustan más?
-Palacio Valdés y Blasco Ibáñez.
-¿Y artistas de cine extranjero?
-Lon Chaney, porque es el rey de la caracterización.
-¿Qué música clásica le interesa más?
-La de Bethoven.
-¿Y autores teatrales?
-Benavente... Los Quintero...
-¿Qué flor es su favorita?
-La rosa y el clavel.
-¿Y... qué número gasta de calzado?
-El setenta.
-¿Cómo es esto?
-Treinta y cinco de cada pié.
-¿Le gustan los cangrejos?
-Sí, porque entienden la vida al revés que nosotros, son muy simpáticos... y porque su lema es contrario al de los exploradores. Estos, “¡siempre adelante!”; ellos, “¡siempre hacia atrás!”.
Son las dos de la madrugada. Van a cerrar el casino y juntos, bajo el beso de plata de la luna de Junio, paseamos, sin dejar de hablar un momento, por las estrechas, torcidas y pintorescas calles de este pequeño rincón levantino.
Mañana, PILAR será otra vez el ídolo del público que la agasaja y aplaude. De ese público que con verdadero interés y admiración contempla sus bailes y escucha sus canciones. Y en otro “mañana” también la veremos regresar de América luciendo en su frente una hermosa corona de laurel que es la gloria. ¡Adelante, PILAR. Eres joven, eres bella, tienes talento! ¿Qué más puedes desear? El triunfo es tuyo. Yo, pobre loco caminante, sólo te pido una cosa: El día en que seas feliz, el día en que la fama te salude, por favor, guarda para mí un pétalo aunque sea mustio, de alguna de sus flores, que a cambio, te daré la tristeza infinita de mi canción.
Llegamos al Hotel. PILAR me tiende su mano enjoyada.
Yo, temiendo no volverla a ver más, le digo ¡Adios!, bailarina de los ojos brujos.
Mario Arnold. Levante Julio 1927.

Y este es el aspecto que tiene el documento referido:

Isabel Bayón en la Sala Turina de Sevilla

2011-12-02T04:43:00.000-08:00

Anoche se cumplían exactamente 6 años desde aquel 1 de diciembre de 2005 en el que Isabel presentó en la Sala Turina de Sevilla un boceto de La puerta abierta, el espectáculo que estrenaría en la Bienal de Flamenco de 2006. Poco después escribíamos en nuestra Historia del baile flamenco [1]:

En 2006, también en la Bienal de Sevilla, Isabel estrena La puerta abierta. Un montaje que hace honor a su título. Como ella explicó en rueda de prensa, pretende ser “una puerta abierta a la inspiración, a los duendes, a los sentimientos”. En suma, “una puerta abierta a la libertad”, porque, como ella también dijo, “yo me siento libre en el escenario”. Eso es lo que es: la expresión de sí misma, el ejercicio de bailar como le gusta y lo que le gusta. Y eso es lo que ella hace sobre las tablas: baila flamenco, baila a Bach, y se marca un pasodoble –¡Ay, Triniá!– con su cantaor. Da toda una lección de baile: delicadeza, exquisitez, imaginación, dulzura, sensualidad. Le cantan Tía Anica la Piriñaca, Manuel Agujetas y Miguel Poveda. Voces de ayer y una extraordinaria voz de hoy. La música es de Jesús Torres y la escenografía y la dirección escénica es de Pepa Gamboa. La puerta abierta fue premiada con el Giraldillo al mejor espectáculo presentado en la Bienal.

Desde entonces acá, La puerta abierta se ha consolidado no solo como una pieza clave en la trayectoria artística de la Bayón, sino como un hito en la historia reciente del baile flamenco. Una pequeña joya coreográfica en la que Isabel se asoma repetidamente al pozo de la pena por martinete, alfa y omega de la obra —“Que yo ya no soy quien era, ni quien deseaba ser; yo soy un mueblecito viejo arrimaíto a la pared”—, grito de dolor y desamparo que invade hasta los territorios del júbilo —“¿A quién le voy yo a contar mis penitas?”—, paralizando por unos instantes el baile por alegrías que nos embriagaba. Isabel, paradigma de la nueva escuela sevillana, nos seduce por milonga y nos sorprende con un pasodoble —¡No se puede poner más flamenquería en un pasodoble!—.

Inevitablemente, la obra resulta disminuida en el escenario de la Sala Turina con respecto a la que vimos en el Teatro Central en 2006. Se empobrece el juego de luces y se pierde casi todo lo que sucedía tras esa puerta abierta. Lo que no disminuye en nada es el baile de Isabel Bayón. Anoche volvimos a disfrutar de la sutileza, la sensibilidad y la imaginación que pone en cada paso y del embrujo de unos brazos y unos hombros desnudos que hablan y bailan por sí solos. La acompañaron David Lagos al cante, Jesús Torres a la guitarra y Joselito Carrasco a la percusión.

Fecha: 1 de diciembre de 2011.
Lugar: Sala Turina de la Fundación Cajasol.

[1] . Véase Historia del baile flamenco, Vol. 4, Signatura Ediciones, Sevilla, 2009, pág. 157.

La Caja Negra

2011-11-30T02:16:00.000-08:00

La Caja Negra (Sevilla, c/ Fresa, 15. A dos pasos de la Alameda) es, según el día y la hora, un bar de copas y una pequeña sala de conciertos. Un lugar recogido para un arte íntimo y cercano.

Anoche era el día dedicado a Javier Prieto, un músico con la chispa y el gracejo de un cómico de la legua, que nos deleitó con su hang. Fue una armoniosa simbiosis de flamenco y resonancias de música tradicional china. Le acompañaron unos amigos: los textos de Momi Ogalla, el cajón de Mariano Clavijo, el baile de Melisa Calero y la voz de Rocío Márquez.

Había oído hablar de Melisa, pero nunca había tenido la ocasión de verla bailar. Apareció con camisa y pantalón negro y comenzó a bailar en silencio. ¡Vaya!, otra seguidora de Israel Galván, pensé. Nada más lejos de la realidad.

Comparte con Israel, eso sí, unos pies magníficos, con un sonido limpio y musical. Todo lo demás —braceo, actitudes, movimientos— es absolutamente personal. Tiene flamencura, desparpajo y algunos ribetes de contemporaneidad y, sobre todo, mucha personalidad.

Rocío cantó una nana con esa espléndida voz y ese buen gusto musical que le caracterizan. Fue el momento culminante del concierto. Un concierto y un local que disfrutamos a tope. Un pequeño escenario donde se están forjando las futuras realidades del flamenco. Os lo recomendamos.

Carmencita Dauset

2011-11-28T05:44:00.000-08:00

El pasado 25 de noviembre José Luis Navarro y José Gelardo presentaron su libro Carmencita Dauset en la Universidad de Murcia.

Estefanía Brao, bailaora granadina y profesora del Conservatorio de Danza de Murcia, revivió el baile de Carmencita interpretando el vito, uno de los estilos que formaron el repertorio de la almeriense. Lo hizo con exquisitez, conocimiento y maestría.

Después bailó el taranto, la seguiriya y las alegrías. Todo un recital académico de baile flamenco en el que derrochó galanura y saberes. Hizo los bailes como mandan los cánones, a la usanza clásica, sintiendo las letras que le cantaban, trasmitiendo emoción y creando belleza. No escamoteó ninguno de los momentos que componen su partitura coreográfica —algo que desafortunadamente pocos respetan hoy—. Supo darle a cada estilo el carácter y la expresividad que le son propias y todo lo hizo con precisión y elegancia.

Tuvo además un atrás de lujo. La voz de Curro Piñana, ese auténtico maestro de los cantes mineros, la excelente guitarra de Francisco Tornero, el oboe de Mª Isabel Marín Gómez y el cello de Rocío Pinar Lorente.

El público los despidió puesto en pie con una cerrada ovación. Lo que no entendemos es cómo en una ciudad en la que muy`pocas veces al año se puede disfrutar de un recital de esta categoría, los críticos de flamenco de la prensa, si es que los hay, ignoraron este acontecimiento.